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01月06日

《华西都市报》:轻描淡写二十载 留下他们的容颜


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  华西都市报(记者 胡月)“岁月终将老去,生命不曾离开。”在炭画艺人尚礼军的眼中,人并无在世与已故之分。20年,他在内江街头支起画架,在炭粉的浓淡之间取舍,笔下定格了近5000张或悲或喜、或年少或苍老的面孔。
  
  一日清晨,沱江之上的雾气尚未散去,尚礼军已来到西林大桥桥头的北街路口,支开画架、拿起画笔,开始了新一天的工作。上世纪八九十年代,炭精画曾鼎盛一时,内江街头大小炭画艺人多达20余人。但随着数码相机的普及,这项传统技艺日渐式微。如今仍以此为业的,已寥寥无几。
  
  现状:传统炭精画,渐渐消失的民间技艺
  
  炭精画是我国一项传统民间美术,俗称“炭画”、“炭像”,源于国画,又更优于调剂、调水和颜料的表现效果,长于写实。作品或黑白、或彩色,色调柔润,层次丰富,永不褪色。
  
  炭精粉轻如尘灰,炭画艺人用胶布缠紧毛笔笔头,只留出或粗或细的笔尖,沾取炭粉涂抹作画。在一张素描纸上,参照相片比例,炭画艺人用铅笔在纸上划格,从眼部画起,用铅笔勾勒人像轮廓,再用炭粉涂抹……炭精画的步骤简单,难点却在于对炭粉浓淡色度的把握。
  
  目前,全国民间炭画艺人约60人左右,尚礼军名居其一。而他最擅长,就是绘画写实人像,尚礼军自信,他的画作能与相片的相似度达到95%以上。一幅人像画,约需2-3个小时的打磨,而他常常一画就是大半天,“要画得‘真’,必须要有耐心。”
  
  内江城区原本20余人的炭画师队伍的消失,尚礼军认为,一方面是受到数码摄影技术的冲击,而更多的还是由于炭画对写实度要求高,画作稍微走样,就会遭致顾客不满甚至退货,“时间久了,耐心也没了,”绝大多数人都不再画炭画或索性改行经商。
  
  故事:出身书画世家,拜师学艺为谋生
  
  尚礼军的外公周悟庄,是张大千金兰师兄陈石渔的弟子。外公早逝,尚礼军未能得到他的亲传。在他小时候,外婆常拿书报上的画片,让他照着画。“觉得画画很好玩,”外婆的启蒙,让尚礼军从此迷上了绘画。
  
  1993年,16岁的尚礼军发现,炭画艺人帮人画一幅像就能赚好几元钱,萌生了以此为业的想法。“既能做自己喜欢的事,又能挣钱。”于是,他向当时颇有名望的画师李晓鸿求艺,开始了绘画之路。
  
  “只学了20天,”尚礼军当时并未意识到,这20天的学习,开启了他此后长达20年甚至更久的职业画师生涯。刚开始时,他在内江东兴区老街街头摆摊,2003年起,他将画摊搬到了市中区北街街口,“这里人气更旺”。
  
  时隔20年,他已记不清自己的一个顾客是谁,只记得“第一天就有两个人找我画”,第一单生意成交,坚定了他的决心。
  
  尚礼军说,相比从前,炭画不再风行,但仍有不少市民打听来到北街,请他画像。“炭精画可保存上百年不褪色,”守护着这一技艺,他坚信“传统的东西绝不会消失”。
  
  味道:画笔还原面容,记忆唤醒人情
  
  2013年12月18日上午,家住市中区桂湖街黄大爷如约前来取画。“老伴身体不好,趁她还在……”年过八旬的黄大爷从尚礼军手中接过画,细细端详了好久。他希望通过这一方式,留下老伴的容颜,“如果我们走了,儿孙们看着画像也许会想起我们。”
  
  像黄大爷这样趁家人或自己尚在世时,拿相片找尚礼军画像的人很多。尚礼军并不认为画像定然与生死有关,而是其背后的“人情味”:“有些人可能很忌讳谈‘死’,但人终将会有那么一天。”
  
  尚礼军说,2013年12月16日,有个穿着时髦的女子来取画后,评价说“不太像”,让他颇有些意外。女子低着头喃喃说,画像上是她的父亲,“我爸爸走得早,才40多岁。”望着女子匆匆离去的背影,尚礼军十分感慨。他说,为已故的亲人画像的人很多,但画得再逼真,也无法改变斯人已逝的事实。在他们看来,相片代表残酷的现实,而画像只是艺术的再现,他们更愿意相信,亲人尚在人世。
  
  波兰女诗人辛波斯卡在《旅行挽歌》中写道:“全部都是我的,但无一为我所有,无一为记忆所有。只有在注视时属于我。”在炭画艺人的画中,人生定格为一幅静止的特写。没有俗世凡尘的喧嚣,没有大喜大悲的情感,不言亦不语,只有对这个世界的注视。尚礼军说,这正是炭精画的艺术魅力:相比随手可得的数码相片,手绘炭画在真实与艺术间留有空间,可以存放回忆、寄托想象,更具情谊。
  
  坚守:“兼职”卖起豆浆要继续画下去
  
  冬月过半,内江的天气一天比一天冷。常年在街头露天作画,尚礼军的双手又进入了“冻疮期”。为了供儿子读书,夫妇俩省吃俭用,一直不舍得花钱租房开店。
  
  “他很喜欢读书,”谈及10岁的儿子,尚礼军满面笑容。来画像的人越来越少,眼看儿子上学花销越来越高,他开始在画摊旁摆了一个简易推车,卖起了现磨豆浆。黄豆、红豆、黑豆、小麦、花生……七八样食材,加水打磨,不到两分钟便熬成热腾腾的豆浆。“买主喝好多,我就磨好多,”他坚持现磨,还要讲究营养搭配,每杯两元。
  
  “画到老眼昏花看不清为止吧。”对于未来,尚礼军并无更多打算,“从开始画画那天,就没想过如果不画画会怎么样。”他认为,不管处在什么时代,传统都不能丢,“记住彼此,是一种传统,也是传承。”
  
  

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01月02日

江冉:齐白石作品《黎夫人像》欣赏


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《黎夫人像》(齐白石) 纸本设色 128cm x 68.5cm  辽宁省博物馆藏

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01月02日

《汕头经济特区晚报》:画像四十载 画笔和炭粉相伴


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汕头经济特区晚报(记者 刘超群)随着数码相机、电脑的普及,曾大受欢迎的炭精画似乎风光不再,走遍城难觅这门古老民间艺术的踪迹。近日,记者有幸采访到郭惠洲,他是汕头为数不多的精通炭精画的民间艺人。
  
  画出来的“相片”栩栩如生
  
  一手拿着放大镜,一手拿着毛笔——记者来到市区公园路一家画像馆时,郭惠洲正认真地雕琢。郭先生今年六十出头,老家在揭阳榕城。从小就有画画天赋的他,十几岁从师学炭精画,二十来岁到汕闯荡,在中山路路边摆起画摊。为增进技艺,他还在艺术学院学了三年素描。
  
  在画像馆的墙壁上,记者眼前的一幅幅人物像栩栩如生,惟妙惟肖,乍一看,如同黑白摄影照。而郭先生桌上的绘画工具仅是十来只大小不一的毛笔,一张照片,一个放大镜,一盒碳粉,一张纸。郭先生告诉记者,绘画步骤也简单,先量好画像的尺寸,接着勾勒出画像轮廓,随后再用毛笔把炭精粉涂在画纸上。
  
  然而记者看到有些原照斑斑点点、模糊不清,有的只是身份证的一寸相。凭借这些却要画出一张放大几十倍且一模一样的人物像,这不仅需要细致认真更要长年“耐得住寂寞”。“一笔一划都得小心,深浅马虎不得,如果不小心炭粉用深了,可不是用橡皮擦擦就了事,因为一擦整个地方就镂空,不协调了。”郭先生告诉记者,从头到尾,一幅画不容丁点差错,否则整张画就被毁了。他还说,皱纹比较难画,如果稍微下笔重了,皱纹便会显得生硬。一张40cm×30cm的画像,郭先生得花上三四天的功夫,每天的工作时间长达10个钟头。正是郭先生精雕细琢,以及他极好地运用毛笔的大小、炭粉的深浅等,他画出的人物肖像不仅立体感极强、色调层次十分丰富又不失细腻逼真。
  
  炭精画可保存上百年
  
  粗略看,照片和画像上的人物一模一样,可再看,后者感觉更舒服。郭老先生解释道,这是他在绘画时的“小动作”。比如人物的头发眉毛不够整齐浓密,他稍微修饰下,如果衣服不够体面,他便擅自另“换”件衣服。果真,经过手工改良版的人物像不离本色的同时又平添几分美感。郭老先生告诉记者,95%的顾客对他的画像都非常满意。“有的顾客一下子就拿来10张相要我画。”
  
  如果说照相的效率和便捷使得炭精画渐渐淡出人们的视野,那么有一点让相片相形见绌的就是炭精画的保存时间之长:“如果不受潮、不被虫蛀、炭精画可以保存100多年不褪色,一般的照片十几二十年就泛黄了。”郭先生边说边拿出他三十年前的作品,“这张曾经浸过水。”即便如此,画像的精致清晰让记者十分惊讶。因此,虽然炭精画风光不再,但它的“复制”功能仍受到的青睐。记者在画像馆采访期间就见不少顾客登门。他们大都是因为家里老人相片年代久远而发黄褪色,想通过绘画的方式再现容貌。
  

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01月02日

杨太守:月份牌年画创作中“擦炭造型”之铺垫


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擦炭效果的理解,充分地交织在擦笔设色技法中,我们不妨从擦炭铺垫运作过程来领悟。
  
  人物是月份牌年画艺术表现的主要对象,头部则是传神达意关键部位,故而擦炭一般情形,先从头部擦起,手及裸露部分次之,接着衣服亦要擦,只是程度、方法因人而异。动物、植物擦与否及道具、背景则根据画家自己的画法、习惯裁定,无须囿于程式。
  
  在擦炭之前先让我们洗耳恭听月份牌年画前辈和盘托出的关于人物用光、擦炭的经验之谈。金梅生曾云:“我一般都是运用正面光来处理人物,很少用轮廓光、顶光、背景光。同样处理人物面部五官的投影,也是各人不尽相同,如画小孩,我就把鼻端、下唇、下巴的投影减弱,不致去破坏小孩天真圆润的形象。古代仕女更要减弱,甚至可以不去表现这些东西。光线处理是根据画面的需要,或加强、或减弱。’”炭粉打素描底子是作画的第一步,人物是非擦不可的,如果分面来擦,甚至连反光亦非要交代。全部按素描要求强调明暗关系,一只手白,一只手黑,群众不习惯。”李慕白亦云:“人物的造型不太强调侧光或逆光,通常以暗部和亮部三七开来处理。光线的角度为45度为好,不至于投影过分浓重。另外一种光线是二面都罩上一些光,不要一面有光,一面无光,这样是不符合群众的欣赏习惯的。”
  
  “月份牌年画的第一步是擦粉打素描底子的特殊画法。擦得好坏是关系到下一步的重要步骤,如何掌握擦的程度又是直接影响整个画面的素描关系,其中涉及到纸张的性能和擦的技巧。一般在脸部的上粉不宜过多过重,比较重的只能在明暗交界处和下巴的投影处。我除了头发是大把大把的粉往上擦外,画到眼睛,则擦得很小心,擦得很淡,只有中间一点黑的。擦的技巧高低在于分面来擦,而不能为表现圆润而左右逢‘圆’。”
  
  擦头部一般从眼睛、鼻孔、嘴角等最暗的小面积的部位着手,逐渐扩展开去,画眼眶、眉弓、鼻翼、嘴唇、耳朵等,再换用较大一些的笔去擦额、颧、颊、腮、颏、发等。擦头部时,其轮廓、结构、立体感、质感和神态都应在擦好炭精粉后表现出来,并皆显得柔和滋润,无不匀净之感。现分述于次。
  
  眼的表现:
  
  眼,是心灵的窗户,历代诗人、文学家对眼有过许多精彩的描写,中国古代画家亦谓之传神写照全在阿堵(即眼睛)中,可见眼画好了就能带来活生生的神气。眼神的变化是极为丰富和微妙的,喜怒哀乐无不形于色,即便非常隐晦、含蓄的心理。亦会从眼神中流露出来,这有时是一瞬间的,一旦在画中表现出来,就会给作品带来极大的魅力。
  
  擦眼部不仅要擦出眼皮的质感和眼部的结构,尤应以画龙点睛之擦炭技巧以形取神,有时看来形对了。但仍不见神,或神气不对,这是为什么?这就是方法和技巧问题。就是写形时要结合着神态来观察与用笔,要善于把握人物情感的演变和突变。眼睛的传情不单是靠轮廓的准确,还须注意眼的微妙色差和虚实深浅变化,所以擦眼睛不能孤立地擦好一只再擦另一只眼,这样两眼会因时差而出现形、色、虚实的差异,就会出现眼的表现差异和失真。所以擦眼睛必须两眼交叉着同时擦,特别是留高光,必须一致,才能眼神一致、表情一致。擦眼珠时除瞳仁部分之外不应擦得太黑,反光部分更须留待色彩表现。
  
  眉的表现:
  
  人说“眉开眼笑”,可见眼睛的表现不是孤立的,眉眼之间形成协调与相关的表情,如“眉头一皱,计上心头”、“扬眉吐气”、“眉飞色舞”等,以眉的动态来说明人的心态与表情。可见眉的活动与长相,对塑造人物形象有着紧密关系。擦炭时。要根据人物表情的特征和眉眼的形态与位置,须先将眉头、鼻根与内眼角三者之间的深凹部分处理好,形成眉弓与眼窝的关系后再从眉头开始,绕眉弓的曲线向外侧擦。当然不是先擦好眼再擦眉,这又把眼与眉孤立起来擦了,眉与眼应整体观察与表现、交替进行才能统一于特定的表情。
  
  眉可分眉头、眉心、眉梢三节和上下两面,它沿眉弓而微带弧形生长。眉长的走势与坡度上下不同;头、心、梢不同,每个人的眉毛长相亦各异,有成“一”字形,有成“八”字形和“反八字”形的。擦时不要由于眉毛的边缘虚淡不齐,而忽略它的基本形状,同时亦应将眉毛擦得淡些浑些,具体刻画留待色彩来充实。
  
  鼻的表现:
  
  擦鼻部一般先擦鼻孔,但应注意。鼻孔虽较黑,但它总是处于鼻底那个面上,在视觉上清楚、实在的程度,不会超过鼻尖的面。面部任何表情鼻都参与,人在厌恶和愤怒、悲痛和哭泣、鄙视和愁苦的时候,常是紧锁眉头,同时鼻肌向上收缩,将鼻翼向外扩展和向上提,并会微微弹动,面部即刻出现一种冲动、紧张、坚毅。甚至凶、猛的神态与形象。
  
  在形象特征上,鼻子几乎与眼睛有同等显要的位置,画正面像时,鼻子的中线就是面部的中线,鼻柱的长短构成面部的舒展与局促,鼻柱与鼻尖的高光给面部增添醒目的效果与体感。鼻头与鼻翼,圆而带有棱角,有形有特征,不可概念地擦成圆球形,鼻头上的高光能表现光感而起到提神作用,擦时要留出。鼻的底部和侧面,是表现鼻的高度与体积的,要擦得肯定,但要注意与面颊的柔和过渡。
  
  口的表现:
  
  口部为脸部第二个表情中心,是形象美的重要因素之一。在表现方面,口总是和眉眼一致的,张口的大小和闭口的松紧、露齿的多少,都直接关系到形象与表情,甚至透溢出一个人的文化素质。张大的嘴,表情是强烈而明显的,闭紧的嘴,表情则细腻较难画。嘴的表情一般表现在口角和唇节的松紧,因此擦嘴裂线十分精巧地结合表情,一线之差,就会产生截然不同的表情。擦嘴首先要抓住三点、三线,再次是嘴角与皮肤折痕的阴影构成。嘴角为两点,第三点是上唇节与下唇相扣的点;一线是嘴裂线,它体现上下唇的开合动态;另二线是上下唇外边一条柔和的边缘线,这三点三线就基本能隐现嘴的形态与表情了。为了保持嘴唇湿润鲜艳的特点,擦炭时只在口角和嘴缝处擦实,上下唇边线变化微妙,擦得较松且淡,虚实有致,使之融合于着色时的光与色中,予人浑厚与灵巧感。
  
  耳的表现:
  
  耳虽无表情,但呈椭圆或三角形等不同类型的耳轮。圆里带方的富有弹性的线条,在人物头像塑造中亦起着使形象完整的作用。佛教把如来佛等塑造成两耳垂肩以为美和福分的象征,体现着人们对耳的美学理解。擦耳朵,要根据角度、光线,适可而止。比如擦正面头像,耳朵由于在脸的后边,可擦虚一些,若画侧面头像,由于耳朵离视觉较近,则擦实一些,处于背光部分虚一些,受光部分则实一些。总之擦耳朵不能擦得跳出来,亦不能擦得贴在脸上。
  
  额、颧、腮、颏等处的表现:
  
  额的表层在外观上没有很多东西,在正面光下,明暗色调较接近。其实,前额的大小、宽窄、形状不但因人而异,就是向前突出的程度亦各有差别,这些对于一个人的相貌特点是有很大关系的。额部的前额肌的动作是把眉毛向上吊,皱缩时使额部构成横纹,由于额部肌肉又薄又少,要擦出骨骼形状和起伏,擦时既轻又要肯定,注意与眼、眉的虚实变化。
  
  颧、腮、颏等处直接影响着头部下半部的立体感及一个人的脸型和表情。在外观上起伏较多,干瘦的人或肌肉发达的人,起伏明显,几个面及其衔接容易看得清;圆脸或肌肉不发达,皮下脂肪多的人,特别是胖娃娃的苹果脸,衔接面的形状就浑融,擦时,既要表现圆润的效果。亦要注意体面,不能擦得像皮球或一团棉花。总之。由于年龄、性别、胖瘦等不同情况,这几部分体面变化各异,故擦时着重于明暗交界线,将其衔接起来,擦青年妇女、儿童,不能擦得太空,擦老年人,不能擦得太乱。
  
  头发的表现:
  
  头发在一定程度上反映人物的年龄、性格、性别、社会属性、修养以及民族时尚,能增强人物画意与风采,与人物形象塑造的典型性、个性、时代感相关联。
  
  头发有疏密、黑白、软硬,长短、曲直、蓬松和光滑等类型。不论怎样,都各有其基本形状和体积。头发即便比较厚,但总要受脑颅形状的制约。有其相应的大面。当然,由于头发多是深色而蓬松,几个大面的色调区别不大,加之弯曲自如,在区分大面界限时往往不易。所以常待脸部其他部位擦完后再专门擦。擦前应将头发结构来龙去脉加以分析,尤其是女性发型式样变化很多。抓住大的转折处,有些弯曲的发卷。则抓住主要的几束。擦时宜用较大的擦笔。先擦出大面的形和整体关系,再去擦重要转折,其转折面往往有高光及反光,色调较浅,一束束发丝或投影,可用较小的擦笔顺着发丝方向一笔笔去擦,边擦边注意头发的体积和效果。
  
  头发的质感,除体现于色调关系、笔触的疏密、转折面的处理诸因素,其边缘的虚实亦有很大的作用,一般情形,在处理发际与皮肤间的过渡关系时,其边缘线擦得较模糊,但毛发蓬松,参差不齐的,其边线较虚;粗硬紧密的,其边缘则相对实些。额前的留海和耳边的鬓发则擦得虚些,呈轻柔飘逸之动感。头发与背景交接处则有意识地擦得更虚。
  
  手的表现:
  
  俄罗斯画家列宾说:“手是人的第二张脸。”十分形象地说明了手式在绘画中的意义和作用,不仅可以体现出人物的年龄、性别、职业、体壮与体弱的差异,亦可通过一定的动作或姿势表达某种情绪和意向,手的动态变化很灵活,掌指关节多,可动性大,任何一指的任何关节,只要稍加运动。便影响整个手的外形以及它与各局部间的关系。加之透视变化,故人们喟叹“画人难画手”。因此,在一幅画上,要正确的、有意识的擦出一只表达思想感情和内心语言的手来,实非易事,因为这只手,蕴含着作者的解剖结构知识、生活知识和对人物内心的理解。
  
  擦炭时除表达出其表情手式,亦要擦出其个性特质,如手掌的薄厚、宽窄,手指关节的大小、突出程度,手指的长短、粗细、手指头的尖钝、方圓,手表皮的细嫩、粗糙,皮下脂肪的丰满与干瘪,静脉血管的清晰程度等不同的“形象”。
  
  衣服的表现:
  
  擦衣眼亦应从明暗交界线开始,可以用画交叉的短直线的方式来擦.擦衣服要服从人体结构,衣服覆于人体外表,受到人体结构、运动的影响,尤其是关节处,稍长、稍短、稍上、稍下都将严重影响人体结构的准确性。擦衣服重要的是在于衣纹。常见的衣纹有挤纹、拉纹、挂纹、绞纹和飘纹等。挤是两力相对作用而成,常见于肘、膝部和腰等处,其特征纹为褶叠状;挤纹的另一端必然有延展而呈放射状的拉纹;紧身衣服在两个反向力的作用时,如手臂或腰部的扭转会产生绞纹。其纹随扭转方向呈长的螺旋状纹,很能体现动作特点;宽松的衣服多挂纹。我国古代服饰中甚多见;飘纹则多为质料轻薄的衣服被风吹动或快速动作时才产生,一般呈波浪或弧形,颇具动感。擦衣服亦要关注衣服的质感,衣服质料的不同,直接影响衣纹的形状,各呈特点,如丝绸等质薄的衣服,衣纹多而密,麻布、帆布等质硬的衣纹多折线、直线,纹也短,质软的纹长并多曲线或圆线,呢绒等衣服。其纹少而挺。各种不同质料在表现形式上是大不相同,这就需要多加观察,在擦炭精粉时将其表现出来。擦衣服还要顾及衣服的色彩,深衣服不妨擦得深些,淡色眼切不可擦得过深,所以在擦时对衣服的色彩需做到心中有数。衣服的花纹可不必擦,待上色时去解决。擦衣纹要有取舍,对于那些对表现形体结构和衣服质感没有意义的琐碎的细线要尽量减少。甚至可以全部省掉。
  
  动物、植物、道具、背景的处理:
  
  一般情况。这几部分少擦炭精粉,有时酌情而定,如动物在近景呈现,如马匹、小猫、梅花鹿等,应把它们的结构和皮毛的质感都擦出来,亦应着重于明暗交界线。皮毛等受光蓬松的感觉,不妨借着软橡皮之助,轻轻地拭揩出来。能得到事半功倍的表现。如道具配衬于近景,如仕女画中的乐器、屏风、博古架、花几、盆景、花瓶等若深色调,亦需擦一些,背景中如有人物则少擦或略擦淡些。
  

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01月02日

杨太守:说说中国年画“十大产地”


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在中国春节的传统文化习俗中,年画是起源最早的习俗之一,至今已有四千多年的历史。年画,顾名思义,就是过年(春节)时张贴的画。旧时候,每当春节来临,新的一年即将到来的时候,家家户户都把房院打扫得干干净净,在堂房、卧室、窗旁,门上以及灶前,院内的神龛上,贴上焕然一新的年画,既用以创造喜气洋洋的新年气氛,又借以祈求上天赐给幸福,消除灾祸与不幸。年画是一种雅俗共赏的民间美术形式,是传统民族文化的重要组成部分,反映了广大劳动人民的审美趣味与精神寄托。民间年画历史源远流长,有着较多的产地,流行也十分广泛。以下列出的是具有代表性的中国年画十大产地。
  
  1、苏州桃花坞年画
  
  桃花坞位于江苏省苏州市以北。桃花坞年画源于宋代的雕版印刷工艺,由绣像图演变而来,到明代发展成为民间艺术流派,清代雍正、乾隆年间为鼎盛时期,每年出产的桃花坞木版年画达百万张以上。桃花坞年画的印刷兼用着色和彩套版,构图对称、丰满,色彩绚丽,常以紫红色为主调表现欢乐气氛,基本全用套色制作,刻工、色彩和造型具有精细秀雅的江南民间艺术风格,主要表现吉祥喜庆、民俗生活、戏文故事、花鸟蔬果和驱鬼避邪等民间传统审美内容。民间画坛称之为"姑苏版"。
  
  2、天津杨柳青年画
  
  有着600年历史的杨柳青(位于天津西20公里)的民间木版年画产生于元末明初,风行于清代雍正、乾隆、光绪年间。与苏州桃花坞年画并称“南桃北柳”。制作方法为“半印半画”,即先用木版雕出画面线纹,然后用墨印在纸上,套过两三次单色版后,再以彩笔填绘,勾、刻、刷、画、裱等纯手工制作。具有笔法细腻、人物秀丽、色彩明艳、内容丰富、形式多样、气氛祥和、情节幽默、题词有趣等特色。
  
  3、山东潍坊杨家埠年画
  
  山东潍坊杨家埠木版年画兴起于明代,全以手工操作并用传统方式制作,发展初期受到杨柳青年画的影响,清代达到鼎盛期,杨家埠曾一度出现“画店百家,画种过千,画版上万”的盛景,产品流布全国各地。其中最大的东大顺画店拥有画版300多套,年制画百万余张。杨家埠年画体裁广泛,想象丰富,重用原色,线条粗犷,风格纯朴。
  
  杨家埠木版年画题材广泛,表现内容丰富多彩,有神像类、门神类、美人条、金童子、山水花鸟、戏剧人物、神话传说等,同时也有反映民间生活、针砭时弊之作,但喜庆吉祥是杨家埠年画的主题。诸如吉祥如意、欢乐新年、恭喜发财、富贵荣华、年年有余、安乐升平等,像亲人的祝福、似好友的问候,构成了农民新春祥和欢乐,祈盼富贵平安的特点。
  
  4、四川绵竹年画
  
  绵竹年画又称绵竹木版年画,素有“四川三宝”、“绵竹三绝”之美誉,绵竹年画是世世代代民间画师们勤劳和智慧的结晶,体现巴蜀人民乐观向上的思想感情和古老的民族风尚。
  
  绵竹年画以产于竹纸之乡的四川省绵竹市而得名。流行于我国西南的年画品种。由于多以木版印出轮廓而后填色。绵竹年画起源于北宋,兴于明代,盛于清代,中华人民共和国建立后注入了新内容及现代人的审美趣味。乾隆、嘉庆年间,绵竹全县有大小年画作坊300多家,年画专业人员达1000余人,年产年画1200万多份,产品除运销两湖、陕、甘、青及四川各地外,还远销印度、日本、越南、缅甸和港澳等国家和地区。
  
  绵竹年画以彩绘见长,具有浓厚的民族特点和鲜明的地方特色。绵竹年画构图讲求对称、完整、饱满,主次分明,多样统一;色彩上采用对比手法,设色单纯、艳丽,强烈明快,构成红火、热烈的艺术效果;线条讲求洗炼、流畅,刚柔结合,疏密有致,具有强烈的节奏感;而夸张、变形、象征、寓意的造型,更具诙谐活泼的效果。
  
  5、河北武强年画
  
  武强年画具有浓郁的乡土气息和地方特色,其丰富的内容是中国民间社会生活的百科全书。武强年画历史悠久,产生于宋末元初,明、清两代最为鼎盛。那时人烟稠密的武强南关,便是“家家点染,户户丹青”,形成了中国北方最大的木版年画产地之一。武强年画构图丰满,线刻粗犷,设色鲜亮,装饰夸张,节俗特色浓厚,是民间年画中的佼佼者。武强年画除大量民间题材外,更注重反映重大时代变革,以表达人们对国事的关心,对人生的美好期望。
  
  武强年画在用色上以单纯的颜色、套出丰富的效果。色彩强烈,浓艳而不凝滞,用色虽少变化多端。达到对比鲜明而又统一的效果。这是其特点之一。特点之二是在造型上具有较高的艺术表现力。比如,在刻画人物时,着力表现头部和眼睛,寥寥几笔,就能使人的神情毕现。所表现的人物大都在中、近景处,并且以正脸出现,这样易表现人物的感情,突出故事情节。图文并茂也是武强年画的一个特点,很多画都配有风趣,诙谐的诗词等。
  
  6、河南开封朱仙镇木版年画
  
  朱仙镇木版年画起源于唐,兴于宋,鼎盛于明清,历史悠久,源远流长,历来为国内外美术界重视和敬慕。其制作采用木版与镂版相结合,水印套色,种类繁多,所用原料为炮制工序,用纸讲究,色彩艳丽,庄重深厚,题材和内容大多取材于历史戏剧、演义小说、神话故事和民间传说。年画乡土气息浓郁,民间情趣强烈,具有独特的地方色彩和淳朴古老的民族风格,是民间工艺美术中的一支奇葩。
  
  朱仙镇年画可分为两大类,一类是神祇画,如灶君神、天地神等,另一类是门神类,朱仙镇木版年画中最多的就是门神,门神中以秦琼、尉迟敬德两位武将为主。
  
  其主要特点为:
  
  (1)色彩艳丽:朱仙镇门神用色,非常讲究,使用颜色的配方,是以民族传统的技法,使用传统工艺,精炼配制而成,用此种颜料,印制出年画,色彩鲜艳,日久不脱色,呈现出对比强烈、色彩浑厚的风格。
  
  (2)形象夸张:朱仙镇门神,从版面上看,表达正面英雄人物英雄形象画面较多,塑造英雄人物,一身为了正气、忠诚、朴实,以夸张的手法,表达了英雄人物的真实形象;人物媚态:朱仙镇年画多为人物画,表达的是英雄人物高大形象,表现出一身正义,纯正无私的精神,看后给人以正义感。
  
  (3)线条粗犷:版面的图案,线条雕刻的有阴、有阳、较粗、豪放,粗细对比性强,采用古代人物画的技法,尤其在衣纹等方面,表现最为突出,线条粗实纯厚,富有野味,具有北方民族地方独有的纯朴、厚实、健壮风度。
  
  (4)构图饱满:朱仙镇门神是以继承传统技法而构图。很有它鲜明的地方特有艺术。整个画面饱满、紧凑、严密、上空下实,留有空白地方较少。有主有次,对象明显,情景人物安排的巧妙,使人感到合情合理,不繁琐,表现出匀实、对称的图案,美感性强。
  
  7、广东佛山年画
  
  始创于明永乐年间,有六百多年历史。《辞海》记:“佛山木版年画是我国民间年画之一,是华南地区著名的民间木版年画,因在广东佛山镇生产而得名。”佛山年画是最具特色的岭南艺术奇葩。
  
  在极盛时期,整个佛山最少有10多家年画作坊,最高峰时年产量达800万副,平时也保持在400万副,大量出口东南亚等地。
  
  佛山木版年画以使用“万年红”的色彩而全国闻名,以丹色作底色是佛山门画特有的技艺,可耐日晒雨淋而不变色。如今这种“填丹”技术和另外一种“描金”技术仍然是佛山木版年画技术中最具特色最“抢眼”的部分。
  
  年画题材广泛,以花鸟虫鱼、神话传说、历史故事人物为主要内容,包括门神画、灯画及榜边等。年画与佛山的剪纸、木雕、金花、通花礼联等民间艺术互相渗透,吸收所长,表现手法更加丰富。
  
  除此之外制作工艺精细也是佛山年画的优点,它构图丰满、造型夸张、色彩强烈、线条朴拙浑厚、极富装饰感的独特风格,视觉冲击力强,很能吸引观者眼球。其他地方的年画甚少用“填丹”和“描金”技法,因此和它们相比佛山年画显得华贵精细,而且耐久性好。春节张贴年画的风俗由来已久。在明以前,人们多用石刻虎、狮放于门前左右,以示驱邪示威。自年画兴起后,人们在腊月廿四以后,便开始张贴春联、挥春和门画,民间俗称贴门神,以作驱邪纳福。
  
  8、山东高密扑灰年画
  
  高密扑灰年画起源于明朝初期,距今已有500多年历史。据说它的始创者是高密北乡公婆庙村(现夏庄镇东风村)的一户王姓人家。这家人从外地迁徙而来,迫于生计,便临摹一些张贴画和庙宇壁画摆摊出售,慢慢掌握了一些技艺,又不断探索,把随处可得的柳树枝烧成炭棒当画笔,把咸菜疙瘩刻成印章、印花模具。自此,带着农村土味,带着农民的传统习俗,带着民间艺术的瑰丽风彩与巨大魅力的高密扑灰年画诞生了。
  
  所谓扑灰,即用柳枝烧灰,描线作底版,一次复印多张。艺人继而在印出的稿上粉脸、手,敷彩,描金,勾线,最后在重点部位涂上明油即成。扑灰年画技法独特,以色代墨,线条豪放流畅,写意味浓,格调明快。它独具一格的工艺制作过程和艺术特色被世人誉为“中国一绝”。
  
  9、陕西凤翔木版年画
  
  凤翔县位于陕西省关中平原西部,是我国知名的木版年画产区。独具风格的陕西凤翔木版年画,是中国民间年画的一大流派,被国外收藏家赞誉为"东方智慧的结晶",在世界各著名博物馆皆有收藏。凤翔年画源于凤翔南肖里邰姓,始于唐宋,盛于明清。凤翔县的木版年画,有文字记载的年代,可以追溯到明正德二年(1507)。凤翔木版年画大多与当地乡土民俗密切相关,它寄托着人们向往太平安宁的美好象征,乡土气息颇为浓郁。
  
  10、湖南省隆回县滩头镇木版年画
  
  湖南省隆回县滩头镇木版年画相传有300余年历史,从取材到印制,从造型到色彩都有自己独特的风格。滩头木版年画制作工序独特,特别是粉纸的使用独具特色。滩头,一个湘西南资水河畔的古老小镇,漫山遍野的楠竹、清澈见底的溶洞溪水和古朴淳厚的民风,孕育了中国民间工艺美术珍品——滩头年画。滩头年画是湖南省唯一的手工木版水印年画。从明末清初到民国初年,滩头年画逐步形成了自己独特的美术风格:艳丽、润泽的色彩,古拙、夸张、饱满、个性化的造型方法,纯正的乡土材料和独到的工艺,使作品具有浮雕一般的艺术效果。滩头年画分为神像、寓意吉祥、戏文故事三大类,无论是门神、故事或祝福吉祥等内容,都在小小的年画上演绎得淋漓尽致。
  

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01月02日

风月无边的老上海“月份牌”


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月份牌画的诞生,源于西方列强的强权政治。1843年,上海被迫辟为国际通商口岸,然开埠结果,却迅速推进了上海城市的近代化。所谓“月份牌”画,就是此时欧美资本大量输入上海,许多外国资本家纷纷在上海开厂设店,倾销商品进行广告宣传的产物。其形式是借鉴和运用了在中国最有群众性的民间年画中配有月历节气的“历画”样式,融入商品广告。最初,外国厂商聘请中国画师设计的“月份牌”画,画面除了商品宣传外,表现的大都是中国传统题材的形象,或中国传统山水,或仕女人物、或戏曲故事场面等。后来则发展为画面以表现时装美女为主要形象。艺术手法上初以中国传统工笔淡彩或重彩作表现,后来发展为以西洋擦笔水彩细腻的写实手法作表现,色彩明净鲜丽。

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01月02日

郎绍君:“五四”与“美术革命”


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在“五四”时期,美术的“革命”与“改良”两个概念大抵是一个意思。在陈独秀《美术革命》一文中,“革命”与“改良”完全是同义语。美术没有类似“文言”与“白话”那样的区别,因而也不可能有类似“白话文革命
  
  ”那样的语言性变化。不过,同是使用“革命”或“改良”,其具体所指常有很大的区别,这是需要特别加以辨别的。
  
  五四运动以后,中国出现了更多的美术学校,美术社团,美术刊物,美术史论著述。其中特别重要者,一是以上海为主张发祥地的蓬勃的“洋画运动”,归国留学生成为西画传播的主力军;二是传统中国画取得突出成就,出现了齐白石、黄宾虹等一批杰出画家;三是以徐悲鸿、蒋兆和为主要代表的写实人物画获得突破性进展;四是鲁迅倡导的新木刻运动,以及他所提倡的“为人生而艺术”的思想产生了有力影响。这些成绩的取得,得益于“五四”精神的发扬,也与北洋政府和民国政府相对开放和自由的文化环境有直接关系。
  
  1927年,刚辞掉国立北京艺专校长的林风眠在《告全国艺术界书》中说:在“五四”运动中,“虽有蔡孓民先生郑重告诫‘文化运动不要忘了美术’,但这项曾在西洋文化史上占得了不得地位的艺术,到底被‘五四’运动忘掉了。”“五四”新文化运动真的“忘掉”了美术吗?当然没有。不仅没忘记,而且还提出了“美术革命”的口号。不妨检索一下“五四”时期的重要美术事件:
  
  1917年8月,《新青年》杂志发表蔡元培《以美育代宗教》的演讲,说自欧洲文艺复兴后,社会进化,科学发达,“各种美术渐离宗教而尚人文”,故提出“舍宗教而易以纯粹之美育”说。1918年春,蔡元培发起成立“北京大学画法研究会”并担任会长,聘请留英画家李毅士、留法画家吴法鼎、留日画家郑锦、徐悲鸿,以及北京国画家陈师曾、贺良朴、汤定之等为导师。这是20世纪最早兼容中西、提倡以“科学精神”研究美术的社团。
  
  1918年1月,《新青年》6卷一号发表吕?、陈独秀书信形式的文章《美术革命》。吕?致函陈独秀,建议《新青年》像提倡文学革命那样提倡“美术革命”。吕氏说的“美术革命”,是“要阐明美术之范围与实质,阐明中国美术之源流与理法,阐明欧美美术之变迁”。陈独秀的回信避开了吕氏的“三个阐明”,而提出“革王画的命”,“打倒”以王石谷为代表的清代“正统”派绘画,认为王石谷继承的是倪黄文沈一派“中国恶画”,惟“打倒”这一“恶画”传统,才可能“采用洋画的写实精神,以改良中国画”。
  
  同年,康有为在上海发表《万木草堂藏画目》,激烈抨击元明清画的“衰败”,主张“以院体为画正法”“而以墨笔粗简者为别派”,并把中国绘画的希望寄于“合中西而为画学新纪元”的“英绝之士”。康有为在变法失败后有14国避难之游,对所见西方绘画大加赞赏,他的看法与陈独秀、蔡元培有相合之处,是不奇怪的。
  
  1919年,刘海粟在上海著文,说欧美日本人作画循“写实―自然的―积极的―真美―养成自动能力”的道路;中国人作画循“摹仿―强制的―消极的―假美―养成依赖习惯”的公式,一褒一贬,可谓分明。
  
  1920年,徐悲鸿发表《中国画改良论》,说中国绘画“衰败极矣”。他提出的“改良”方案是:“古法之佳者守之,垂绝者继之;不佳者改之;未足者增之;西方画之可采入者融之。”
  
  1922年,梁启超发表《艺术与科学》的演讲,提出:科学与美术的关键都在“观察自然”,美术家须“有极明晰极致密的科学头脑”,才能深刻观察,画成出色作品。他“希望中国将来有‘科学化的美术’,有‘美术化的科学’”。
  
  上述各家主张可归纳为:一、提倡美育,发展美术事业;二、重估中国画史,褒院体而贬文人写意;三、提倡学习西方写实美术,以其“科学方法”改造中国画;四、否定摹仿风气,强调个性与创造。这些,基本概括了“美术革命”的指向。同一时期,“美术革命”的实践突出体现在新式美术学校和西画社团的蓬勃发展上,先后创办了国立北京美术学校、私立苏州美术专门学校、南京美术专门学校、武昌美术学校、上海艺术专科师范学校,以及苏州美术赛会、上海天马会、清华大学美术社、东京艺术社、上海晨光美术会、广州赤社美术研究会、法国霍普斯学会、北京阿博洛学会、上海东方艺术研究会、上海白鹅画会等。
  
  在“五四”时期,美术的“革命”与“改良”两个概念大抵是一个意思。在陈独秀《美术革命》一文中,“革命”与“改良”完全是同义语。美术没有类似“文言”与“白话”那样的区别,因而也不可能有类似“白话文革命”那样的语言性变化。不过,同是使用“革命”或“改良”,其具体所指常有很大的区别,这是需要特别加以辨别的。
  
  “五四”时期“美术革命”的思想与活动,并不都发端于“五四”。蔡元培的美育与融合中西美术的思想,早在晚清他第一次留德期间就形成了。他1912年写的《对于教育方针之意见》,已将美育列为教育“五大主义”之一。曾任职于教育部社会教育司,主管博物馆、图书馆、美术馆、演艺会、展览会的鲁迅,1913年就发表了支持蔡氏美育主张的《拟播布美术意见书》。至于吸收、借鉴西方美术,早在16世纪前期就发端于来华的传教士,明末有吸收明暗法的波臣派,清代有服务于宫廷并在画坛形成影响的外籍画家郎世宁、艾启蒙等;晚清的广州、上海,已有西画法传播;19世纪中叶,上海“土山湾画馆”的法国教士专门传授各种西画,培养了徐永清等一批早期西画家,而伴随中外贸易兴起的画报美术、擦炭画肖像、月份牌年画、水彩画、铅笔淡彩画也广泛流行。1906年,南京两江优级学堂开设的图画手工科,聘请日本画家监见竟执教西画;“五四”运动前,已有一些画家研究西洋画,提倡新的美术观念,如1911年,周湘在上海创办布景画传习所;1915年,乌始光、陈抱一等在上海创办以“促进西画运动”为宗旨的“东方画会”;1916年,李叔同在杭州组织并主持“洋画研究会”。更有一批留学生,在“五四”运动前就东渡日本或西赴欧美学美术,接受了种种新的美术观念,其中李铁夫、李叔同、李毅士、冯钢百、陈抱一、高剑父、高奇峰、陈树人、吴法鼎、胡根天、王悦之、李超士、汪亚尘等等,归国后都成为“美术革命”的先驱和骨干。不是“五四”造就了他们,而是“五四”为他们提供了“美术革命”的阵地,发扬光大了他们的思想与活动。
  
  与“美术革命”并立或对立存在的,是提倡“发扬国粹”、被后人称为“保守派”的一批艺术家和文化人,著名的有金城、陈师曾、林纾、萧谦中、萧俊贤、王一亭、黄宾虹、顾鹤逸等。1919年,曾留学英国学法律、担任过国务院秘书,对创建中国第一个国家博物馆(北京古物陈列所)做出贡献的国画家金城,应蔡元培之邀在北大画法研究会发表演讲,批评明清绘画“剿袭摹仿”而不“以造化为师”,提出“工笔固未足以尽画之全能,而实足奉为常轨;写意虽亦画之别派,而不足视为正宗”的主张,这主张和康有为、陈独秀有相近之处;1920年,金城联合陈师曾、周肇祥等,并征得徐世昌的支持,创立以“精研古法,别采新知”为宗旨,融创作、教学、展览交流为一体的中国画学研究会。其旨趣有别于北京大学画法研究会,但其骨干陈师曾、贺履之、汤定之、胡佩衡等,都曾兼任北京大学画法研究会导师,它们的关系可以用“和而不同”来形容。
  
  1921年,陈师曾以白话、文言两种文体发表《文人画的价值》,从论理、画史、古今中外比较各个角度论述文人画的价值,反驳文人画“丑怪荒率”、元明清文人画“衰败”的观点。在他看来,文人画“首重精神,不贵形式”,以人品、学问、才情、思想为要素,“能感人而能自感”。文人画的代表人物元四家“皆品格高尚、学问渊博”,“上继荆关董巨,下开明清诸家法门”。文人画的谨严、精密、矜慎、幽微、深醇,不是“粗心浮气轻妄之辈所能望其肩背”的。这一认识与康、陈截然不同,与他的朋友金城也有差别,而论述文字的精致细密,与康、陈、徐等文字的简单粗暴也形成鲜明对比。
  
  1923年,广州画家赵浩公、潘致中等组织以研究传统绘画为宗旨的“癸亥合作社”,二年后扩展为会员众多的“国画研究会”。赵浩公回忆说,国画研究会是一个研究中国绘画的集团,“第一,我们不是学西洋绘画的,西洋绘画自有其思想形式,中西文化各有其特异之处,我们应不基于狭隘思想与西洋绘画的工作者分庭抗礼。第二,这是最应要声明的,我们的国画,就是中国传统的艺术,有别于从日本抄过来的不中不西的混血的所谓‘新国画’;为着正名分,绍学统,辩是非,别邪正,我们要树立国画的宗风,岂徒是抱残守残而已。”国画研究会与后来被称作“岭南派”的“新国画”成员有过充满火药味的论争,赵浩公那段“正名分,别邪正”的话经常被批评者引用,但断章取义者多,且回避高氏等“抄袭”日本画的事实。“正名分,绍学统,辩是非,别邪正”的说法,对于重视文脉传承的中国画来说,并非没有道理。两派论争有意气用事之处,但也止于“打笔仗”,到1937年,在论争中对阵的方人定和黄般若在香港相遇,遂弃前嫌,成了朋友。
  
  蔡元培在北大提倡并实行“学术独立、兼容并包”的方针,其前提是存在着可践诺这一提倡的环境。“五四”新文化运动之所以能够产生巨大影响,也基于这样的环境条件,即从晚清到民国,中国的政治虽然腐败混乱,在学术上却相对自由,没有出现万马齐喑的一体化局面。
  
  “五四”时期出现的中国画研究社团,与“美术革命”的言说和西画社团的激发有关,也是晚清民初人文思潮的一种自然呈现。从“吾园书画集会”(1803)、“小蓬莱书画集会”(1839)、“萍花书画会”(1851)、“华阳道院书画集会”(1852),到“海上题襟馆金石书画会”(1890)、“苏州怡园画集”(1895)、“西泠印社”(1904)、“上海豫园书画善会”(1909)、“宛米山房书画会”(1909)、“上海书画研究会”(1910)、“青漪馆书画会”(1911)、“贞社”(1912)、“北京古物陈列所”(1914)、“广仓学会”(1916)等金石书画社团和博物馆的陆续出现,可以看出从传统文人雅集到新式美术社团与机构的演变轨迹。晚清以降,新学兴起,“发扬国粹”成为一个时代性的新口号,包括金石书画在内的国学研究成为反清志士的精神武器。提倡“国粹”的学者和艺术家,并不拒绝借鉴西方文化;新学和旧学不同,但并不发生激烈对抗。“五四”和“五四”以后出现的金石书画社团,正是沿着这一历史链条生长出来的,而不单是对“美术革命”思潮的保守性回应。
  
  “五四”运动以后,即1924年至1949年,特别是30年代,中国出现了更多的美术学校,更多的美术社团,更多的美术刊物,更多学习美术的留学生,更多群体与个人的画展,更多与美术相关的博物馆,更多的中外美术交流活动,更多的美术史论著述。美术的范围与功能也逐渐扩大,除了中国画、西洋画之外,折衷式建筑、写实雕塑、工商业设计、书籍装帧等,也有了初步的发展。其中特别重要者,一是以上海为主张发祥地的蓬勃的“洋画运动”,归国留学生成为西画传播的主力军;二是传统中国画取得突出成就,出现了齐白石、黄宾虹等一批杰出画家;三是以徐悲鸿、蒋兆和为主要代表的写实人物画获得突破性进展;四是鲁迅倡导的新木刻运动,以及他所提倡的“为人生而艺术”的思想产生了有力影响。这些成绩的取得,得益于“五四”精神的发扬,也与北洋政府和民国政府相对开放和自由的文化环境有直接关系。
  
  “五四”有以陈独秀为代表的激进反传统态度,有以蔡元培、吕?等为代表的兼容并包和温和改良态度,还有以金城、陈师曾等为代表的尊重与发扬传统的态度等。不同的文化态度并不意味着它们在具体的历史问题上没有共同之处,这一点往往被人们忽视。此外,“五四”后出现的类似“美术革命”的言说、事件和现象,或与“五四”有这样那样的历史关联,但各种思潮在后来的浮现与起伏,主要是后来的社会文化情境和相应的个人意识造成的,如抗战与民族文化意识的高涨,新中国文化体制对“革新”与“保守”的政治性划分,“文革”与“革命虚无主义”的爆炸,新时期文化市场上的“反反反反反传统”高叫等。它们的产生,常被人与“五四”扯上关系,其实并不相干。“五四”不断被误读、重塑与想像,大都出于后来者的“当下”之需。“五四”以后的历史还表明,“打倒”式的激进反传统主义和虚无主义,具有非理性的特征,容易在教育程度较低的社会空间和青年运动中燃点“文革”式的风暴,造成灾难性文化破坏。
  
  对美术家来说,“五四”最宝贵的传统是个性解放,思想独立,有责任感,有理想,自由探索,兼容并包。九十年来的历史表明,不论是传统亦或非传统艺术,只要有相对自由的环境,不放弃理想与责任,充分发扬个性与创造力,都会有所突破与升华。反之,如果将艺术捆绑起来,变成单纯的政治工具,单纯的谋生手段,它就会变味,枯萎,失去生命活力。“打倒”式的激进主义发生在一个兼容并包的环境中并不可怕(如陈独秀提倡“革王画的命”),可怕的是“文革”式的全民激进主义,以及一切为了“钱”的市侩主义。吴昌硕、齐白石、黄宾虹、徐悲鸿、潘天寿、张大千、林风眠、傅抱石、李可染等大画家,都是在“五四”前后即前半个世纪成长起来的,“五四”后出生,成长起来的画家,再没有出现这样被公认的大师级人物。新时期以来,我们经历了又一次思想解放运动,美术领域逐渐涌现一批很有希望的青年才俊,但资本的诱惑与腐蚀,又使他们面临成为市场俘虏的现代性危机。
  
  对“五四”新文化运动的思考与研究是必要的,把“五四”与“前五四”“五四后”相关联而又不断变异的文化现象进行综合的思考与研究,也许更重要。
  

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01月02日

可以说说“月份牌画”吗?


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月份牌画的创作结集了一批优秀的专业创作者。从技法方面讲,20年代郑曼陀先生开创的“擦炭画技法”最值得称道。“擦炭画技法”是用加工过的羊毫毛笔蘸炭精粉先画明暗层次,再以水彩施以淡彩,在半透明的水彩色盖罩下,形成细致柔嫩的肌肤感觉及凸凹效果。题材以古代仕女形象为主,四周配有精心设计的边框,并在适当的位置画上商品及商号名称,并配有年历,如《女子读天演论》。将月份牌创作发挥到极致的是活跃于上世纪二三十年代的杭稚英,他创办的“稚英画室”下有着李慕白、金雪尘等众多月份牌画家,分工细致,协作高效,组成了相当于今天的工作室。他们在郑曼陀的基础上画法逐渐完善和成熟,借鉴了美国动画片设计师的绚丽色彩,熔中西方之长于一炉,画出明暗交叉的转折部分,暗部尽量用色彩去表现,所画的人物既有细致的造型又具鲜亮的色彩。题材丰富,以时尚为基调,人物以电影明星、时髦女郎、新女性为主,如《金屋藏娇》;同时也有少量反映现实的题材,如反映抗战胜利的《木兰荣归》,极受百姓欢迎。进入上世纪四十年代,随着月份牌画家领军人物杭稚英的去世以及内战的爆发,月份牌走向了衰落。解放后,逐渐被以政治题材为主的新式年画所代替。
  

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01月02日

刘晓陶:论中国的波普艺术


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波普艺术起源于英国,繁盛于美国,完全是西方艺术的产物。但是,自晚明以来,西方艺术就开始传入中国,并对中国本土的国画艺术逐步产生影响。自20世纪起,西方艺术开始全面进入中华大地,并对中国传统艺术的现代形态起到了积极地推进作用。波普艺术在中国的传播、影响可以大致划分为如下五个时期:
  
  一、中国最早的波普艺术——“月份牌”画
  
  19世纪以来,西方美术对中国美术的影响更为深刻,雄踞中国画坛百年之久的文人画已日趋没落,新的美术形式——“月份牌”画应运而生,并受到广大群众尤其是都市民众的欢迎,从而得到迅速的发展。
  
  “月份牌”画是一种商业美术。中外厂商为了扩大影响、争取顾客、推销商品,采用美术形式作为宣传手段,“月份牌”画便是在中国传统年画的基础上融入了西画技法而形成的。“月份牌”画的题材内容多以城市生活、时装美女为主,以迎合市民的兴趣和爱好。二者是印刷技术的进步,更为“月份牌”画的发展提供了良好的条件。此时许多大的工厂设有专门的画师和画室,甚至还有印刷出版机构。
  
  “月份牌”画首先在上海兴起,至19世纪末期,在许多城市迅速发展。画家先用炭粉涂擦轮廓和明暗关系,然后用水彩润色。“月份牌”画的上边或下边都印有日月节气,故被称为“月份牌。早期“月份牌”画多采用石印。到20世纪初年,“月份牌”画已经基本上摆脱了传统中国画的束缚,而采用擦笔设色的西画技法。“月份牌”画成为一种独立的新型美术样式,在国内城乡到处可见,甚至远销南洋群岛等地。
  
  现存较早的月份牌画有清代末年—光绪22年(1896年)上海鸿福来票行随彩票赠送的《沪景开彩图》。这是一张附有日历的石印图画,除描绘十里洋场吕宋票行开彩票的情景外,还画了当时上海的名胜地点和新式建筑。此时的月份牌画与石印《点石斋画报》和苏州桃花坞木版年画有不少相似之处。
  
  激烈的商业竞争不仅要求商品装潢优良精美,厂商还用附赠月份牌画以招徕顾客。上海的一些大企业设有专门从事商品包装、商业广告设计和绘制月份牌画的机构。1904年,上海文明书局采用彩色石印。1915年,商务印书馆引进胶版印刷,运用先进技术大量印刷月份牌画。1925年前后,“月份牌”画进一步发展成为“月份牌”年画。上海的彩色印刷盛极一时,厂商与画家建立了密切的关系,上海已成为会址和印刷“月份牌”年画的中心,大量供应全国各地。
  
  早期月份牌画与传统中国绘画有较多联系,题材内容和表现手法都尚未脱出传统人物画和民间木刻年画的窠臼。早期的月份牌画家周慕桥便采用了传统中国绘画工笔设色和民间绘画的技法,同时吸收了西画的明暗调子,画法新颖,颇受市民欢迎。他曾为上海志大洋行绘制以《红楼梦》为题材的月份牌画,还为保险公司绘制以《桃花源记》为题材的人寿保险广告。此外,他还创作了不少时装美女的风俗画,如1911年为巴勒洋行所作《美女游春》、1913年为太古糖业公司所作《庭园画荷》等。
  
  与周慕桥同时的月份牌画家李少章和赵藕生,则专门以《三国演义》等历史故事作为创作题材。这种擦笔设色的月份牌画雅致细腻,表现时装仕女非常合适,从而形成了独具特色的画法,直到今天,用这种画法创作的年画仍然受到广大群众的欢迎。
  
  郑曼陀(1885——1959)是早期著名的月份牌画家。年轻时他曾在杭州学习英文,同时从事绘画。1914年,他来到上海。当时上海正兴起月份牌新画法,他将擦炭画法和水彩画法结合在一起绘制时装美女画,获得了很大成功。他创作的《晚妆图》有高剑父的题跋,并由高奇峰开设的“审美书馆”印行;他画的《杨妃出浴图》被大商人黄楚久看中,仅聘为专职月份牌画家。成名以后,郑曼陀除为一般厂商画广告外,主要为“家庭工业社”画月份牌画。画上有题字署名“天虚我生”,即为该工业社的厂主。
  
  郑曼陀的画风细腻,色彩典雅柔丽,后期作品色彩较为热烈。他笔下的美女多为鹅蛋脸,带着含蓄的微笑,神态逼真。这种时装美女画颇受社会欢迎,郑曼陀因之名噪一时。在他以前已有沈泊尘、丁悚等人创作的《新百美图》、《新新百美图》问世。与郑曼陀同时创作月份牌绘画的画家还有徐咏青、张聿光、丁悚、张光宇等人。
  
  徐咏青(1880——1953)最早在上海天主教会办的徐家汇土山湾画馆(亦称美术工艺所)向一名叫刘修士的画师学习西画(此人原学国画,后兼习西画,也算是我国早期学西画者之一。)后来,他专事水彩风景画,在上海颇有影响,并自设了“水彩画馆”。他一度与郑曼陀合作,共绘月份牌画,郑曼陀画人物,由徐咏青来补画背景,相得益彰,很为人所称道。在月份牌画史上,此人是重要的代表,但他不擅长仕女人物。
  
  此外,月份牌画界知名画家尚有浙江余姚人谢之光(1900——1976)、江苏常州人周柏生(1887——1955)以及名冠沪上的浙江海宁人杭穉英(1900——1947)等。
  
  二、20世纪60——70年代的中国波普艺术
  
  20世纪60——70年代是中国极左政治垄断的年代,出现了一大批在“三突出原则”(在所有人物中突出正面人物;在正面人物中突出主要英雄;在主要英雄人物中突出最主要的中心人物)指导下创作的“红、光、亮”作品,包括“主席像”和表现英雄人物、革命题材以及讴歌普通大众革命实践的宣传画、年画等。其中,徐匡的木刻《亲切的教导》、李融龙的木刻《大摆战场》、周小筠、王纯言、施大畏合作的中国画《炉火正红》(1975)、孙国成的中国画《向毛主席汇报》(1973)、夏振平的中国画《集体户的除夕之夜》(1976)、单联孝的宣传画《做人要做这样的人》、陈逸飞等合作的油画《开路先锋》、高虹、何孔德的油画《华主席和我们心连心》(1976)、赵华胜、王基湘合作的中国画《红心永向华主席》(1976)、伍启中、何克敌、徐钦松合作的水粉画《愤怒声讨“四人帮”**集团篡权的滔天罪行》(1976)、纪航的雕塑《愤怒声讨“四人帮”》、郭常信的木刻《无题》(1979)、罗中立的油画《金秋》、《父亲》(1979)、程丛林的油画《1968年X月X日雪》(1979)等作品都具有波普艺术的共性。
  
  三、85新潮美术”时期的中国波普艺术
  
  1985年5月,由国际青年年组织委员会主办的“前进中的中国青年美展”(习称“国际青年年美展”)在中国美术馆开幕,它标志着“’85新潮美术”拉开了序幕。
  
  “国际青年年美展”作品里被高名潞称为“新现实”绘画中的“无意义的现实”绘画如李贵君的油画《140画室》、袁庆一的油画《春天来了》、刘谦的油画《小巷》、龙力游的油画《草原的韵》、王功新的油画《七九河开》、张义波的油画《阿芳》、王立宪的油画《阳光》、宋陵的中国画《船台世界》等都可以看成波普艺术。
  
  “’85新潮美术”时期,王广义的油画《黑色理性——病理分析》、《后古典——马拉终极1号》(1986)、《红色理性——偶像的纠正》(1987)、《毛泽东——红格1号》(1988)、《毛泽东——红格2号》(1988)、成肖玉的油画《东方》、任戬的油画《过之过,腐物的增殖》、杨述的油画《读者的疑惑》(1988)、毛旭辉的油画《红色体积》(1984)、耿建翌的油画《理发2号——1985年夏季的第一个光头》(1985)、《理发3号——1985年夏季的又一个光头》(1985)、《理发4号——1985年夏季的流行样式》(1985)《第二状态》(1987)、张培力的《X?》(系列)、《今晚没有爵士乐》(1987)、《1988年甲肝情况的报告》(综合材料,1988)、石强的《生日》(油画·蜡烛)胡朝阳、王白焦的《丢弃的梦》(可乐罐装置)等都是具有影响的波普艺术作品。
  
  四、“’89艺术”——“’后89艺术”时期的中国波普艺术
  
  1989年2月5日—19日,“中国现代艺术展”在中国美术馆举行,它标志着中国“’89艺术”拉开了序幕。
  
  “中国现代艺术展”中的作品也有一些是属于波普艺术如丁乙的《十示》(丙烯)、梁绍基的《易》(装置,1989)、范叔如《无题》(装置,1989)、杨君、王友身的《√》(拼贴,1989)、刘卫东的《秃童》(照片油彩,1989)、冯国东的《闹钟系列》(装置)、毛旭辉的《家长》系列(油画)、吕胜中的、《魔术与杂技》(剪纸,1988)、《行》(剪纸装置,1988)、徐冰的《析世鉴》(木版印刷装置,1988)、张培力的《私人信件——关于从未做过亏心事的证明》(综合材料,1989)、《1989年备忘录》(综合材料,1989)、耿建翌的《作品》(装置,1989)、《作品》(实物,1989)、顾雄的《网》、凌徽涛的《理发已经一个小时了》、沈晓彤的《椅子》(油画,1988)、忻海洲的《孩之一》、《孩之二》《孩之三》(油画,1989——1990)王友身《通缉系列》(油画,1989)、《人像系列》(油画,1989)、潘德海的《掰开的玉米》(油画,1989)等即是典型的代表。
  
  五、1990——2008时期的中国波普艺术
  
  (一)湖北波普
  
  1992年初,以湖北艺术家为主体,主要油画家有王广义(《批量生产的圣婴》、《中国温度计》)、魏光庆(《红墙系列》,1992)、李邦耀(《产品托拉斯》,1992)、杨国辛(《莉达夫人给孩子准备了奶粉》,1992)、任戬(《东经115℃北纬40℃》,1990、《邮票系列》,1991、《“抽干”系列》)、舒群(《世界美术全集中国卷2》,1991)、方少华(《防潮——锈》,1995)、陈禄寿(《被覆盖的脊梁》,1992)、袁晓航(《CH—53飞行计划》,1996)等,他们构成了中国90年代波普艺术潮流初期的主要力量,促使了波普艺术的最早流行。他们虽然探索的方式不同,但都力求改变自己,尽快从“高雅病态”中解脱出来,尝试一下通俗易懂的大众艺术。波普艺术的出现是当下文化、国际图像信息和市场机制作用下的产物。
  
  (二)政治波普
  
  政治波普艺术家的主要代表有余友涵(《招手》,1990、《你办事,我放心》,1991)、王子卫(《奖状》,1990)、王广义(《大批判》系列,1991——1996)、张培力(《1990的标准音》系列,1991)、杨国辛(《参考消息》,1992)、李山(《胭脂》系列,1992——1997)、浦捷(《标准艺术——智取威虎山》,1992)、冯梦波(《抓革命促生产》,1992)、魏光庆(《色情误》系列,1994)、刘大鸿(《上海潮》1995、《南京路》,1996)、唐志冈(《开会系列》,1997)、段建宇(《作品》,1995)、张晓刚(《大家庭》系列,1996)、(《麦当劳叔叔》系列,1996——1997)、计文于(《簪花美女图》,1997)、薛松(《接触》,1997)、王兴伟(《又不是一百分》,1998、《上升》,1999)耿建翌、吴山专、洪浩、任戬、袁文彬、关伟、王友身、邱志杰、倪海峰等。政治波普以其中国政治形象和符号应得的普遍关注在市场的作用下仍然产生了持续性的衍生现象,更多的油画家利用中国的政治和历史碎片组装富于流行趣味的图像,丰富了政治波普的形象表现。
  
  (三)艳俗艺术(后波普)
  
  艳俗艺术作为一个现象被认为产生于1996年的“大众样板”、“艳装生活”这样的展览。之后几年里,艳俗艺术出现了更为流行的势头,直至1999年6月,一个以整体面貌出现的艳俗艺术展览“跨世纪彩虹——艳俗艺术”在天津泰达艺术博物馆展出,作为一个持续4年的艺术倾向,被历史所记载。艳俗艺术家包括杨卫(《中国人民很行》,1995——1996)、徐一晖、胡向东(《争奇斗艳之五》,1995)、俸正杰(《皮肤的叙述——错位》,1994、《浪漫旅程》,1998)、常徐功、祁志龙、李路明(《中国手姿NO.10》,1997、《中国手姿NO.16》,1999)、孙平、罗卫东、罗卫国、罗卫兵、王庆松(《亚当与夏娃》,1998)、刘峥(《仿月份牌》,1998、《摩登女郎》,1999)、张亚杰(《典型》)、陈文波(《维生素YNO.7》,1999)、张小涛(《快乐时光》,1999)、杨冕(《丰韵�6�1标准》,1999)等,广州的黄一瀚等“卡通一代”也被认为是艳俗艺术家中的成员。
  
  艳俗艺术是波普艺术的一种变体。艳俗艺术家的目光是自我的、民族的甚至是怀旧的,它甚至尽量地避开冷战游戏中受到关注的符号焦点,直接的政治性符号被减弱,艳俗艺术在利用和拼凑中国视觉符号资源方面所表现出来的直截了当,成为与波普艺术区分的重要标志之一。艳俗艺术家刻意表现“庸俗”、“艳丽”,充满来自商业和消费领域的平庸感,因此大有市场。
  
  中国的波普艺术一方面得益于市场经济、现代化商业和信息化社会、图像时代的发展与推进,另一方面它又与意识形态具有千丝万缕的联系,因而形成了具有中国特色的“政治波普”与“艳俗艺术”。但是,由于时至今日写实主义和具象绘画在中国仍然处于主流艺术与正统地位,所以波普艺术在中国属于前卫艺术和先锋艺术,更多地处于“地下”状态,它的“合法性”问题仍然没有得到彻底的解决。
  

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01月02日

《羊城晚报》:清明将至许多人又去光顾大新路瓷相店


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羊城晚报(记者 鲁陆)
  
  “飞絮落花,时节近清明。”吟咏五代张泌这首《江城子》时,广州老城区大新路又忙开了。
  
  珍奇多聚大新街
  
  一位姓田的外省籍少妇乘辆面包车,目光向路两旁搜索,来广州10年了,她才第一次到这条大新路,一眼瞥见一家“瓷相店”,欣喜地叫停了车子。
  
  拿出父母各一张遗照,她向店主说,希望清明前把“合照”的瓷相赶出来。其实,父亲去世已十多年,母亲才走3个月,一生没有合照过。这回,想做四套瓷相让亲属保留。交了600元之后她终于满意地离去了,广州同事的介绍没有错。
  
  制作瓷相已有八九十年历史的大新路长1106米,明朝时称山茶巷,专售山货茶叶,后越来越旺,商铺鳞次栉比,招牌光怪陆离。当时流传一个故事:何巩道、叶符甥舅俩为比记性,来到大新街打赌“记诵各铺招牌名号,自街口至街尾,默识背写”,不相上下,舅舅突出奇招,居然把各店门联也背诵如流,于是胜出(何大佐《揽屑》)。当年大新街之兴旺可见一斑。清代之后,这儿渐渐集中象牙雕刻、珠宝玉器、乐器狮鼓等行业,“珍奇多聚大新街,翡翠明珠次第排”(清·《广州杂咏》),顺便插一句,当年朱光市长多次来到这里察看象牙制品,甚至考虑找一只特大象牙,刻一个29层的象牙球送给毛主席,但后来没有找到而作罢。
  
  到民初,一种流传至今的新行当出现了——画瓷相。
  
  画一张炭相二百两银子
  
  瓷相是把人像(照片)画(复印)在瓷片上烧制而成的,有不褪色、不变质的效果,人们爱把先人遗照制成瓷相以便永久纪念。虽然其中工艺并不复杂,却与西洋画技法的炭相传入广州有关。
  
  据老画家吴子复回忆,辛亥革命之前,广州没有人画西洋画,西风东渐之后,尤其是一批在日本的留学生回广州后,办起一些美术培训班、美术学校之后,才“给了广州人以一种西洋画的正确的姿容”。一部分人开起“写真馆”,主要画炭粉肖像,称为“写实画家”,其实靠一把放大尺,从照片把人的尊容轮廓放在纸上,然后一手拿放大镜对照片,一手拿蘸着炭粉的毛笔在画纸上涂光暗,画出来真有那么回事,比传统国画的人像逼真,可谓令人耳目一新,但那时是高级消费品,动辄一二百两银子。后来,人们不满足黑白两色,又按水彩画月份牌的办法,用中国传统笔墨加色添彩画肖像,但那种“画家”没学过人体解剖,画起那些花枝招展的病态美人,既没有立体感,更谈不上生气,有如平板的剪纸。
  
  尽管如此,这种行业还是具有一定的吸引力,尤其对于上了年纪的人。
  
  自1842年南京条约之后,摄影术传到沿海城市,1846年香港有了摄影店,随后传入广州。辛亥革命之前,士大夫们是不愿照相的,传说“影相机”是洋人“收魂摄魄”的怪匣,一旦被摄,会“失魂落魄”,一命呜呼。也有人认为,照相机底板上的人的映像头朝下脚朝天,照一回相倒楣一次,因此对摄影说“不”。相当一个时期,仍是钟情于画像,有人贪图虚荣,穿上官袍请画工画全身像挂在堂中炫耀,光绪时特别流行。据说西关乞王陈起凤亦如此炮制过,以至不知底细的人还以为他真的入了仕途。而那些来不及画相的人咽了气之后,家人请画师来,揭开殓布着着实实看几眼,把脸上特征牢记于心,回去慢慢细描,遂成“喜神”。当时画活人称之为“小照”,画死人称之为“影像”(后来照相馆把两者结合成“照像馆”)。
  
  当炭相兴起后,怕照相的观念奇特地得以改变,尤其老人。人老之后,有钱人即朝衣朝冠,摄出袍褂整齐如见大宾,手里拿半启折扇的半身相悬挂室内,留作身后放在出殡队伍中的“真亭”(专门放死者照片的“纸亭”),丧事办完则放在家中“神位”,代替“神主牌”。而另一些人先拍张小照片,去世后家人会把遗照请人绘成大张的炭相用作办丧事。
  
  画炭相这行从艺术角度来说,多属于工匠所为,故地位不高。1921年10月,广东全省美术展览会开办“西洋画展”,先在今北京南太平沙筹备处设立送展作品审查处,其中规定,凡炭相一律剔除,结果把一位官太太得罪了。她在闲得无聊时“精心炮制”的“画作”被扫地出门,气愤难平,于是带了两个士兵到筹备处对评审喊打喊杀,大有“拉人封屋”之势。幸而这次美展的头头由省长杨永泰兼任,才算把事情平息下来。
  
  上不了大堂,生意还是要做,广州一批画炭相的流动画师手提画夹,放几张“范本”,走街串巷兜生意,讲妥价钱,把顾客照片带回炭相行,画好后再一手交钱,一手交货。在广州生活过的许多名人,康有为、张之洞都在西关画过炭相。然而,炭相毕竟画在纸上,日久褪色,也经不起风吹雨打,更怕蟑螂老鼠,瓷相不可避免地诞生了。
  
  景德镇师傅来了
  
  大新路为何瓷相行能独树一帜,父子相传、至今还在大新路开店的年近花甲的朱肇煌师傅介绍,这与一批早年到广州的江西人有关。这一说法也得到原大新路瓷相店“莫与京画室”的老板、年近古稀的莫师傅的证实。莫师傅父亲早年在十八甫经营瓷器店,请了景德镇的技工前来自绘自烧。原来,康熙时景德镇陶瓷艺人杨快、曹琨率先来广州,当时广州是唯一的对外通商口岸,杨曹二人成了近代广州瓷绘业的“祖师”,后来更引来大批江西师傅。广彩业每年农历八月初四还举行“师傅诞”纪念他们,这一习俗解放后才中止。江西师傅所在瓷器上描龙绘凤的手工娴熟,进而得知他们亦能绘人物肖像。聪明的广州人利用他们的技艺,自己出资开起瓷相店。当时大新街手工艺产品商铺集中,客人终日川流不息,于是一家、两家、三家……相继建起了十多家,成为大新街一景。1932年,市政当局扩建马路,大新街变成大新路。随着摄影普及,干脆把照片直接印在瓷碟上烧,那工艺并不复杂:在瓷片上涂上重铬酸铵(或钾)作感光剂,其余工序与晒相无异,但它多了一道“烧制”,家备电热烤箱,加热至摄氏800度以上,视瓷片多少,长者烘4—5小时,短者二三十分钟,然后让其自然冷却,永不褪色的瓷相就做好了。
  
  每年清明前后、春节前后,瓷相店生意特别兴旺。春节前后多人办喜事,旧俗中男女双方进入“文定”、“大礼”时,男方要把聘礼放在祖宗神位之前,迎亲中还有系列“谒祖”程式,为求吉利,一些人家会把家中神位整饰一新———取下神主牌换上瓷相。办丧事设灵堂,更离不开瓷相,家中中堂方案前搭屏门,左右各有一名纸扎的“笑口童子”,一持“西方接引”、一持“极乐世界”的素幡,正中就是死者遗像,于是,孝子贤孙披麻戴孝,在先人面前磕头作揖。
  
  大新路在民国时期几十年,逐步浮现出几家出名的瓷相店———“肖像”、“英明”、“莫与京画室”、“唯妙”、“美的”。抗战前,国画大师黄幻吾、黄幻鸟兄弟在大新路开办“幻吾画社”招收学生,可见大新路画相风气之盛。解放后,公私合营,瓷相店一度归入市服务局管理。广州几家大的殡仪馆———“别有天”,“粤光”以及后来合并成的广州殡仪馆等均与瓷相店挂钩,作为服务项目之一,要画遗像的,殡仪馆与瓷相店接洽,于是,有了专门的业务渠道。朱师傅记得,接画古大存同志的遗像,他加倍精心,画了两三天,而平常画一张有一天就可以了。莫师傅说,银河公墓的瓷像画过多少,连他自己都记不清了。
  
  瓷相沉浮见风云
  
  当然,零散炭相瓷相生意常年都有,为展示实力,每间店一定在门口陈列本店作品。解放前,除画些美女外,也画当朝武将做招牌,全副戎装,肩佩丝穗,满胸勋章,以表现骁勇之威武。据莫先生回忆,解放后情况有了改变,武将少画了,多是画艺术明星肖像,白燕、夏梦、赵丹、白杨等,还有那张由广东籍的新华社记者郑景康拍摄的“齐白石”更作为“经典之作”,丝丝皱纹,缕缕胡须清晰可辨,成为每家炭瓷相店必挂的作品。到60年代前期,受了外来摄影作品的影响,开始有人画外国摄影名作,如月色下斑驳的树影,穿着雨衣穿行雨中,那隐约的水影,变幻的光斑,非常能显示绘者把握光线的技巧。莫先生记得这样一件事,有次店门来了一个金发碧眼的“老外”,通过陪同的翻译得知是驻穗的外交人员,对几张外国题材的炭相爱不释手,立意购下。莫先生为难了,这些“招牌货”工夫多几倍,只能作为陈列,若按其本来价值必贵几倍,会被扣上“投机倒把”的帽子,无奈只好婉拒。没想到老外不罢休,拿出相机将炭相一张一张拍下,才满足地离去。从60年代中期起,社会革命气氛逐渐升温,三学(大庆、大寨、解放军)运动如火如荼,瓷相店的陈列又“与时共进”,换成雷锋、向秀丽等英雄人物。当史无前例的“大革文化命”汹涌而来时,大新路也掀起了波澜,莫说玉器象牙雕那么多花鸟鱼虫,“才子佳人”,炭相瓷相更是乌七八糟,穿西装的“媚外”,戴瓜皮帽的是“黄世仁”,是可忍,孰不可忍?朱先生还记得,那天来了一班红卫兵冲入店门,不由分说见瓷相就大发“造反派的脾气”,一时间,乒乒乓乓,呕心沥血一件件作品全变成一地白碎花,连最得意的那张穿着大元帅服的孙中山先生像亦难幸免,真令他欲哭无泪。而莫师傅却耍了一点“花招”,红卫兵到店门时眼傻了,展览台上一色的伟大领袖毛主席像,连雷锋、向秀丽也暂时收起了。下不了手,红卫兵也不善甘休,逐张炭相、瓷相审看,在小将们的“金睛火眼”审视下,终于发现了“重大问题”———原来一张“毛泽东写毛笔字”的炭相的一角中,竟然多了一个莫先生自己的署名,罪该万死!于是立即封铺,贴满了大字报……终于,大新路炭相店土崩瓦解了,所有小店全部被勒令集中成立“大新联合画相店”,下放街道劳动服务公司管理。
  
  十年浩劫,一场恶梦。当我们社会进入新时代之后,情况发生大变化,再无人干涉画这画那了,红白喜事,循例随俗,生活的自由度加大,炭相、瓷相生意不但趋于正常,应用范围还有所发展。台山附城镇一位旅美的老华侨,走不动了,寄回乡一大笔钱建学校,镇里为表彰他的功迹,特地来省城大新路为他制了一幅12英寸的瓷相挂在学校供师生瞻仰,这类事情在侨乡并不少见。
  
  然而,时代毕竟在进步,当年显得十分稀罕的照相,如今大大改观了,相机早已进入寻常百姓家,上膜、过塑等长久保存相片的技术日臻完善,所以,画炭相、制瓷相这一行业不可避免地式微了。大新路如今只剩三两间维持着,老字号“肖像”瓷相店也随起大流,改作卖鞋了。象牙雕刻店因保护野生动物,失去象牙资源,更是后继无人。瓷相这行业会不会被淘汰呢?朱先生笑了笑,我也承认生意会越来越难做,但它不会消失,如今长寿路、文昌路、人民路等,零零星星还都分布着。因为人们还有需要,如立墓碑还只有镶嵌瓷相,才经得起日晒雨淋,经久不衰。
  

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01月02日

炭精画是奢侈品吗?


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炭精画,历史悠久,并非只为故去的老人而绘制“寿相”,事实上,在影像技术尚不发达时,炭精画曾为很多年轻姑娘所追捧,是那个时代的时髦东西。如不受潮,没虫蛀,炭相可保存100年不褪色。
  
  辛亥革命之前,留洋学生学习西洋画的技法,在广州开“写真馆”,用炭精粉画画,绘制一张逼真的肖像画往往要一两百两银子,是真正的奢侈品。据说康有为、张之洞等近代名人都曾在西关制作过炭精画像。
  

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01月02日

陈瑞林:雅与俗的互动与提升


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以往研究西画传入中国的历史,多注意上海这样的内地城市,南国的广东往往被轻视和忽略,其实西画最早从广东口岸传入并且得到广泛传播。从16世纪开始,西方人来到中国,带来了西方绘画。通过绘画中国人开始了解西方,与此同时西方人也通过描绘中国风土人情的绘画了解中国。到18-19世纪时,以广州为中心,粤港澳地区形成了颇为可观的艺术品市场,众多来自民间的画师绘制外销画,赚取丰厚的利润。
  
  外销画家通过向来到中国的西方画家学习,通过临摹西洋图片,掌握西方绘画写实技法,以油画为主体的西方绘画在中国落地生根。18世纪中期,照相术传入中国,简便快捷真实生动的照相取代绘画,外销画市场逐渐衰落。一些画家转而模仿照相,摸索出一种“擦炭相”的画法,用“西法”来“写像”,作品也由外销转向以满足内需为主。不少画家在广州开设画馆,招收生徒,传授“擦炭相”的画法,一时形成风气。广州作为现代城市为西画的发展提供了广阔的空间。随着工商业的发展,商业美术日益兴盛。西方印刷技术传入中国,与西画结合在一起,为工商业服务。描绘时装仕女的“月份牌”广告画受到民众的欢迎,极大地推动了商品的销售。
  
  城市文化是市民的文化,大众美术是通俗的美术,站在精英的立场来看,商业性强烈的外销画、“擦炭相”、月份牌画,当然算不上真正的西画,甚至连“艺术”都不够格。然而正是这些“不够格”的西画,使民众认识、接受和喜爱与本土传统绘画不同的外来艺术,构成了西画在中国兴起和发展的氛围和基础。到20世纪前期,不少留学海外学成归国的中国美术家不满当时大众美术流行的状况,要求提升西画的艺术品位。1921年10月,一批在海外接受了正规美术教育的画家在广州结成西洋美术团体“赤社”,举办了第一回美术展览,这是广东地区首次举办“纯粹的西洋画展览会”,标志广东的西画由低俗进入了高雅的境地,造成了广东现代美术发展的新风气。
  
  由底层到上层,由大众到精英,由俗入雅,恐怕是艺术、包括西画发展的规律。雅与俗并没有不可跨越的鸿沟,它们之间存在的只是流动的边界。没有那些“低俗”的外销画、“擦炭相”、月份牌画形成的氛围、打下的基础,高雅、纯正的西画恐怕难以实现。回望历史,我们肯定“赤社”美术家“阳春白雪”的艺术,也大可不必否定外销画、“擦炭相”、月份牌画这些“下里巴人”的低俗艺术。要说社会影响的广大,“阳春白雪”和者往往只有数十人,“下里巴人”和者却有数百、数千人,低俗远远超过了高雅。
  
  今天的中国,市场经济、商业繁荣、城市文化使大众通俗艺术大行其道,高雅艺术被边缘化,变成了小部分人自娱自乐的东西,变成了大众难以了解和接受的看不懂、也就懒得去看的东西。如此下来,恶性循环,高雅艺术越来越低迷和萎缩,通俗艺术越来越恶俗和腐败。长此以往,高雅艺术与通俗艺术“玉石皆焚”也不是没有可能的。“合则双美,离则两伤”,如何认识雅和俗并非绝然对立,如何推动雅俗互动,由俗入雅,使雅的艺术普及到民众生活当中去,使那些粗糙的、缺乏品格的、娱乐泡沫的通俗艺术提升到精美的、具有较高艺术品位的、经典永恒的高雅艺术,这是拨开历史尘雾将“赤社”艺术显现出来的同时,更值得我们认真思考和应对的现实问题。

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学会炭精画,朋友满天下

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中国炭精画

 

  您知道吗?中国炭精画,发祥于1896年的上海,又名“炭精画”“炭画”,属于民间美术。取炭精粉为颜料,用羊毫笔为工具,在绘图纸上揉擦,与西方素描艺术结合在一起。历史悠久,源远流长!崇尚写实,细腻动人,层次丰富,柔和自然;比摄影照片还要栩栩传神!一经装框,永不褪色,奇妙无比……作为国粹不言自明。不仅适合于绘制巨幅人物画、花鸟画、山水画,还具有画像的实用性。因此,广泛受到各地人们的喜爱,令投资者、收藏家热捧。

 

作品欣赏


  天下炭友是一家!炭精画官方QQ群(腾讯QQ群号:330233164)欢迎加入。中国炭精画研究总课题组欢迎您回家!组长张智华老师微信号13098409932欢迎加为好友。各地人物画爱好者、画像从业者、收藏家,均在欢迎之列!也欢迎有志者创建炭精画(城市)俱乐部”QQ交流群!中国炭精画研究总课题组长期选拔城市分部主任,为主任颁发证书,开通官网互动窗口,并为主任发放工作经费。成绩突出者吸收为中国炭精画研究总课题组成员。

 

中国炭精画研究总课题组欢迎您回家

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会长风采

 

作品欣赏

 

组长:张智华

中国炭精画研究总课题组

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炭致广大,精微传神,画美人生

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奇妙的中国炭精画

  致力于炭精画创作与教学研究的中国炭精画研究总课题组,聘请中国教育学会(CSE)会员、湖北省书画研究会(HBDPRI)会员、中国炭精画提出者张智华老师出任组长。张智华老师为抢救和传承这门濒临失传的民间美术,曾于九十年代初期利用课外时间拜访国内三省六地的民间画师,还参加了贵州省毕节炭精画像馆杨君明馆长亲授的炭精画培训。后来,张智华老师除了语文教学与研究之外,为父老乡亲创作炭精画近万张,并首次提出炭精画新概念“中国炭精画”。1996年8月,《奇妙的中国炭精画》内部发行,受到了广泛关注与好评!概括地来说有两点,一是抓住了“中国”(文化),另一个是抓住了“炭精画”,名副其实。2010年4月,炭精画国际域名(tanjinghua.com)从海外回购成功;同时成立炭精画创作与共同交流平台。2013年7月9日,“毕节一绝”毕节炭精画创始人杨君明老馆长来到宜昌,指导中国炭精画研究总课题组工作,饱览美丽而神奇的三峡风光;师生真情,把杯畅饮,短短半月,意犹未尽……宜昌——这座“全国文明城市”,给杨君明老馆长留下了美好而深刻的印象!张智华与杨君明老馆长,燃起了“中国炭精画”的熊熊火焰,照亮“中国炭精画”的发展之路。

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